”After the dust” titola Rei Kawakubo la collezione primavera/estate 2026.

Un’espressione quasi preveggente per la storia del negozio. Dopo anni di  polverosa assenza  a causa della chiusura nel 2020, finalmente torna ‘a casa’ la linea più rappresentativa della Maison giapponese: Comme des Garçons.

Per quanto  ‘Comme-Comme‘ non sia gerarchicamente inferiore alla sua matrice Comme des Garçons, è tuttavia con quest’ultima che la designer mette in scena le proprie meta-narrazioni stagionali. Le sfilate di Rei Kawakubo sono manifestazioni tessili di prospettive e interpretazioni estetiche del nostro tempo, conducono un messaggio oltre la forma di un semplice abito. Come  scrive GiltMagazine:

C’è un silenzio diverso quando sfila Comme des Garçons. Non è quello dell’attesa, ma quello del pensiero che si prepara a essere scosso.

Convinta fautrice di un abbigliamento che, nel suo potenziale creativo, si fa medium di contenuti oltre la moda, Rei Kawakubo sfida il senso critico del pubblico allestendo indizi narrativi tra pieghe e tagli, sovrapposizioni, contrapposizioni e provocazioni tessili, formali e cromatiche. Le modelle non indossano abiti ma strutture complesse, con copri-capo e costumi evocativi di culture e suggestioni lontane all’ordinaria quotidianità, quasi sciamaniche.

La colonna sonora è parte integrante di un’atmosfera che suggerisce la trama dell’opera stagionale. I vocalismi gutturali della cantante spagnola Fatima Miranda, Desosasiego (tradotto: inquietudine, irrequietezza) non scandiscono solo il ritmo delle uscite, ma soprattutto delle connessioni di senso e significati possibili.

Con un’affermazione post sfilata, la designer fornisce un prezioso indizio:

Credo nella positività e nel valore che può nascere dal danneggiamento delle cose perfette.

Una nota ottimistica, manifestamente aleggiante nei volti concentrati e divertiti degli spettatori, una prospettiva critica e alternativa, un atto di ribellione e una speranza oltre ogni congiuntura spazio-temporale di monotona e opaca rassegnazione.

E come mostra il video, in show-room il linguaggio si attenua in proposte percorribili e facilmente portabili, alla Comme des Garçons.

Riprendiamo il filo delle nostre consuete condivisioni, un sintetico ”The Choices of Ivo Milan” sulle personali selezioni dalle Fashion Week di Milano e Parigi, durante i passaggi nei vari show-room, mentre i capi vengono indossati e provati con un anticipo sulla loro uscita di circa sei mesi.

I saldi in corso, nel pieno dell’inverno, permettono ancora prospettive coinvolgenti e suggestive su quanto presente in negozio. Uno sguardo in movimento, nella carrellata video e qualche scorcio fotografico su dettagli tessili, texture morfologiche, sfumature e tecniche cromatiche, onde increspate e filati tagliati a vivo.

Le tavolozze pittoriche di F-Cashmere

Lo shibori di Maison Mieko

I filati in seta di Rundholz

E il cotone sovratinto di Rundholz Dip

La calda, elastica pelliccia in maglia di Boboutic

L’allegro principe di Galles di Noir Kei Ninomiya

E il luminoso, asimmetrico tweed di Comme des Garçons-Comme des Garçons

Gli scenografici paesaggi froissè di Shu Moriyama

Finendo sul geometrico e giocoso plissé newyorchese di Melitta Baumeister

Nel presentare una collezione spesso si trascura di rivelare il contesto da cui trae ispirazione, le atmosfere e la cultura locale che ne condizionano l’identità. In un certo senso, si potrebbe dire che conoscere un designer, un’azienda, un brand ha molto a che fare con la geografia.

Mentre la globalizzazione tende a cancellare tipicità, a omologare saperi, gusti e preferenze, in parallelo e discretamente resistono realtà capaci di sintetizzare la modernità delle metropoli contemporanee, con i saperi più antichi di territori remoti, dove usi e costumi esprimono il forte legame e il rispettoso equilibrio tra uomo e natura.

È il caso evidente di Bergfabel, azienda alto-atesina, il cui nome si compone delle parole tedesche ‘Berg‘ (montagna) e ‘Fabel‘ (racconto popolare), lingua ancora radicata a Vipiteno, piccolo borgo sulle Alpi sud-tirolesi, al confine con l’Austria, da cui proviene Klaus Plank, designer del brand.

Paesaggi alpini, di montagne imponenti e lunghe vallate verdeggianti, di pascoli e fiori dominati da boschi di conifere, dialogano con il lungo adattamento dell’uomo alle asperità dei freddi inverni e alla dolcezza delle primavere.

Un armonizzarsi estetico, reciproco, di felice antropizzazione, facilmente rintracciabile nei capi di Bergfabel, dai colori sensibili all’alternarsi stagionale, alla preferenza per le fibre naturali, lane rustiche e cotoni dall’aspetto vissuto, con tracce del folklore altoatesino, visibile nel modulo di certi abiti e giacche, nelle rifiniture fatte a mano.

Gli aspetti più tradizionali vengono stemperati dalla grande ricerca tessile di Klaus e della moglie Barbara, dalla loro abilità, con attenti gesti formali – pieghe collocate tra spacchi, fondo manica e orli – nel creare silhouette ideali per contesti più internazionali, per viaggiare e stare, in ogni luogo e tempo, a proprio agio.

Perché, l’idea di fondo delle proposte stilistiche di Bergfabel, non è solo quella di mantenere vivo il legame con la propria terra, ma soprattutto di porgerlo nella sua essenza di habitat che restituisce piacere e comfort a chi lo indossa, esattamente come le immersioni nei paesaggi delle alti valli tirolesi.

Dopo una lunghissima e impegnativa giornata da Comme des Garçons, nello storico show-room di Place Vendôme a Parigi, decido di resistere ancora e andare a trovare Manuelle Guibal a Quai aux Fleurs, dentro l’Ile de la Cité. So che è vicino, ma la stanchezza ha raggiunto livelli tali da non avere energie nemmeno per cercare l’indirizzo sulla mia storica e ormai logora mappa cittadina.

Prendo un taxi e mi faccio portare a destinazione, senza pensare a nulla, solo a quanto sia stata stupida a non scegliere la metro per evitare il traffico parigino nell’ora di punta. Prossima a destinazione, un violento temporale, di quelli mirati, col cielo soleggiato da una parte e il nero minaccioso dall’altra, ovviamente la mia, mi dà il colpo di grazia: giusto il tempo di scendere dall’auto, attraversare la strada e mi ritrovo inzuppata da capo a piedi.

Affranta di fatica, freddo e un certo scoramento, varco la soglia dell’animato show-room della Guibal. Il mio ”Bonsoir, IVO MILAN”, silenzia l’effervescente chiacchiericcio, i volti sorpresi e gli occhi puntati mi fan percepire che sono la maschera di me stessa. Nello stesso istante, una calda voce maschile scioglie ogni esitazione e mi accoglie con una sola, semplicissima domanda: ”Champagne?”.

Mi piace raccontare l’esordio della collaborazione con Manuelle Guibal, perché il suo mondo è così: gioioso e scandito da un ritmo accogliente, subito familiare, di complicità, professionalità e grande partecipazione. La Maison è una famiglia, un gineceo di donne in cui Manuelle rassicura e valorizza ognuna, ascolta con sguardi appassionati e di grande tenerezza, osserva curiosa le reazioni della sua clientela alle proposte stagionali e ha piacere di conoscerne le diverse realtà.

La designer usa il colore, lo declina nei diversi modelli e tessuti, sa presentarlo in modo accattivante, desiderabile. L’anima creativa – è anche scultrice e pittrice – e il carattere socievole la mettono facilmente in rete con artisti locali. Così, sono frequenti le spennellate della pittrice Manon Gignoux sulle tele di cotone degli abiti e camicie dagli ampi volumi.

Un linguaggio confortevole, cittadino e fortemente rappresentativo di un esprit parigino vivace e rilassato, come si percepisce dalla scelta dei tessuti naturali: cotoni, sete e lini lavati, a volte cangianti, ritmati da stratificazioni, colori accesi o sobri nelle possibilità più femminili. Un’idea che valorizza la libertà di movimento, facilitata da coulisse, elastici e dalla veloce possibilità di mescolare, a propria discrezione, ogni capo, non solo con quanto offrono le collezioni della Guibal, ma con molto di quanto è già presente nel proprio guardaroba.

Le atmosfere di Manuelle Guibal sanno di amicizie, racconti coinvolgenti, ricerche consapevoli, cultura, collaborazioni e contemporaneità. È un mondo generoso, denso di joie de vivre, attenzioni e sentimenti, di lavoro e sostenibilità.

Ma sono le parole stesse della Maison quelle che meglio ne definiscono l’ambiente:

Uno spazio ampio e luminoso, un pot-pourri di sensazioni. Potremmo sentire parlare giapponese, inglese, francese, portoghese o neozelandese, aver la sensazione di viaggiare per il mondo attraverso una carrellata di cadenze, suoni e immagini sovrapposte, sognare di fuggire verso spiagge selvagge e sabbiose con ondeggianti palme da cocco… Ma non lasciatevi ingannare, il mondo di Manuelle Guibal è anche un brulicante alveare di ricerche, impegno e attività!

Chi passa per Padova ha familiarità con le vetrine del nostro negozio. Un’occasione in cui l’abito viene collocato in una sorta di palcoscenico, dove, a fare da sfondo, sono dei pannelli retro illuminati.

Queste aree sospese, che si affacciano sul portico di via Altinate, di fronte alla chiesa più antica di Padova, Santa Sofia, periodicamente, vengono sostituite. Si tratta di tele astratte, spesso ‘prese in prestito’ da veri e propri artisti contemporanei. Più volte sono state offerte da Mirco Fabio Mariotto, architetto e caro, storico amico il cui lavoro realizzato al computer appare più pittorico che digitale

sito: https://www.fabiomariotto.it/

La scelta cade di volta in volta su colori che evocano la stagionalità in corso o che meglio si prestano a fare da scenografia ai completi esposti in un delicato equilibrio di luce e riflessi del vetro illuminato secondo lo scorrere della giornata.

È particolarmente curioso l’evento a monte delle ultime selezioni. Si tratta infatti di una collaborazione nata a seguito di un intenso scambio di mail con una cliente statunitense che, chiedendo indicazioni su capi di suo interesse presenti nel nostro catalogo online, ha portato a scoprire il suo magnifico mondo artistico.

Il confronto di grande umanità e la comune sensibilità estetica ha quindi portato a questa eccezionale collaborazione tra Eliza K Thomas di Austin, Texas e la nostra realtà…

Sito: https://www.elizakthomas.com/

Una storia di lavoro, di famiglia e di eccellenza, quella di Avant Toi, marchio tutto italiano, nato a Genova nel 1955 con l’acquisto della prima macchina di maglieria e la determinazione di Lia Gambetta, fondatrice dell’azienda.

Una vicenda che attraversa le diverse fasi economiche italiane e, nonostante le importanti crisi del settore, riesce a crescere e a sviluppare una propria solidità grazie all’alternarsi generazionale, ad un team di collaboratori affiatati e ad altri preziosi elementi sinergici: innovazione, con l’investimento in macchinari ad alta tecnologia, artigianalità (molto del lavoro è ancora fatto a mano), scelta di filati nobili (cachemire, sete, lino e cotoni organici) e un’esclusiva sperimentazione cromatica.

La sensibilità artistica di Mirko, figlio di Lia, la sua passione per la pittura, definiscono l’identità più contemporanea dell’azienda. Ispirandosi alle tecniche dell’hand painting, Mirko concepisce la maglia come un’occasione su cui liberare le diverse potenzialità del colore. Partendo da basi neutre o scure, i diversi temi cromatici prendono forme astratte, spesso sfumate dall’utilizzo ricorrente dell’aerografo, o più materiche, nei filati laminati, quasi metallici.

Il mondo di Avant Toi, dalle silhouette essenziali, di confortevole utilizzo, offre una sconfinata gamma di colori che, a seconda della fibra prescelta, si sviluppa in modo esponenziale e, con estrema agilità, spazia dai contesti più quotidiani a quelli di maggior necessità espressiva, senza ostentazione formale, ma di assoluta gratificazione estetica e personale.

Ecco qualche anteprima della nostra selezione per la Primavera/Estate 2025

Abito lungo e svasato, in camouflage laminato e glitterato di seta e elastan

Maglia al fianco, ampia, in maglia di cotone e poliammide mouliné tinta a mano

Maglia al fianco, ampia, in maglia di lino e cotone tinta a mano

Cardigan corto e ampio in maglia di cotone e poliammide mouliné tinta a mano

Maglia lunga e ampia in maglia laminata di lino tinta a mano

Un avveniristico sviluppo dell’etica del Miyake Design Studio dirige la filosofia del brand giapponese, ora alla sua nona stagione – decima, se si considera la presentazione già avvenuta a Parigi per il prossimo autunno/inverno.

Yusuke Takahashi, fondatore e designer di CFCL, classe 1985, laureato alla Bunka Fashion Graduate University di Tokyo, entra a far parte dell’esclusivo team creativo della Maison Miyake nel 2010 e dal 2013 ne diviene protagonista firmando la linea ISSEY MIYAKE Men.

Un patrimonio per la prestigiosa azienda giapponese, al tempo, seguita in prima persona dallo stesso Issey Miyake, lungimirante precettore di talenti da aggregare e incoraggiare, per garantire continuità alla realtà che ancora oggi porta il suo nome.

Nel 2020, probabilmente fiutando il cambio di direzione verso un business più radicale e sicuro della Maison Miyake, e con la ricca dotazione di esperienze acquisite, Takahashi si emancipa, uscendo con un proprio brand, CFCL. Un sincretismo, ancora una volta di promettente tradizione nipponica tra esperienze e culture, con un passo evoluto sulle trasformazioni globali.

Dove va l’abbigliamento, una delle industrie più inquinanti al mondo?

Cosa offrire, dopo le esperienze traumatizzanti della pandemia, che hanno reso più fragile l’equilibrio tra comfort e vita sociale?

Come rispondere ai contesti artistici e culturali, che ancora reclamano una differenziazione espressiva nelle due dimensioni, quotidiana e professionale?

Cosa possono offrire le nuove tecnologie e le reti sociali?

Domande che, connesse alla propria epoca, hanno motivato lo stesso Issey Miyake.

Nasce così CFCL, cercando di dare risposte e spessore a temi cruciali, quali il rispetto ambientale, la trasversalità di utilizzo, di silhouette, di contesti.

Takahashi mette in campo i propri studi avanzati sulla progettazione al computer della maglieria e così la possibilità di azzerare gli scarti tessili.

La scelta di una produzione in maglia anticipatamente ideata a pc permette infatti, nella sua elasticità, di offrire uno sviluppo taglie soprattutto in lunghezza e contenere al minimo le rimanenze.

Connette reti di recupero di materiali residuali come il poliestere, riciclandoli, rifilandoli e ritingendoli secondo filiere sostenibili, tracciabili fino all’origine della loro provenienza, tingendoli secondo le più antiche tecniche giapponesi (dall’ikat, allo shibori, ecc.).

Cerca forme adattabili ai contesti domestici e sociali.

Una realtà, CFCL, che pone al proprio centro lo stare nel mondo, con rispetto, comfort, creatività e senso comune, senza dare particolare peso alle estrose immagini da designer chiuso nel proprio piccolo mondo ideativo.

Non sono casuali le grandi collaborazioni con artisti contemporanei, dalla musica alla danza, dagli interior designers, agli architetti. Un sostegno internazionale, per un concreto progetto globale.

Abbiamo già avuto occasione di presentare il lavoro di una delle nostre più recenti new entry, Melitta Baumeister, ma è con grande soddisfazione che vogliamo condividere il prestigioso riconoscimento appena ottenuto come vincitrice dell’edizione 2025 del National Design Award del Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum di New York.

La più importante istituzione degli Stati Uniti, dedicata esclusivamente al design storico e contemporaneo, custode di una delle collezioni più articolate al mondo, con oltre 215.000 oggetti che coprono 30 secoli di storia, nel 2000, insieme al Millennium Council della Casa Bianca, ha inaugurato la rassegna per sottolineare l’impatto del design sulla vita quotidiana e sul nostro eco-sistema. I premi, diversificati per disciplina (moda, interni, architettura, comunicazione, ecc.), omaggiano l’innovazione e quei progetti potenzialmente capaci di generare trasformazioni nel mondo sociale e naturale.

E quale connessione col lavoro di Melitta?

Come lei stessa sostiene:

“Nel nostro studio, creiamo capi di abbigliamento che saranno indossati e diventeranno parte della vita di qualcuno. Attireranno l’attenzione e susciteranno conversazioni e, talvolta, sfideranno le percezioni, incoraggiando nuovi modi di vedere il mondo”

Dopo il successo dell’edizione 2023 al CFDA/Vogue Fashion Fund, la designer, di origini tedesche, si conferma ancora una volta promessa brillante nel panorama della moda internazionale. Non solo la sua produzione manifesta un’estetica decisa, dove i volumi e le silhouette si fanno occasioni scultoree, spiazzanti, talvolta umoristiche e giocose, ma è anche fortemente radicata in quell’etica dello slow-fashion che prevede un ricco repertorio di capi continuativi e filiere corte a basso impatto ambientale.

Quindi, perché non andare a conoscere un po’ delle sue opere, compatibili con le stagioni intermedie, sempre dal forte sapore trasformativo e senza tempo?

Abito ‘sculpture’ longuette in plissé di poliestere tinto a mano con effetto cangiante, girocollo con profilo in contrasto di colore, manica corta stondata con fascia circolare rigida al fondo, fondo circolare con base interna più rigida

Abito ‘sculpture’, lungo e asciutto, in jersey con texture a corteccia di poliestere riciclato e poliestere, collo a lupetto con bottoncini, manica lunga, fondo con fascia imbottita a onde circolari

Abito ‘bomber’ longuette, ampio, in taffetas di nylon pesante, girocollo con bottoncino sul retro, senza maniche, grande tasca imbottita applicata da un lato con fascia a maglieria, fondo a giacca bomber over con fascia a maglieria ai lati e più lungo sul retro

Caban over in tela di nylon waterproof, un petto, collo a cratere, chiusura con zip con doppio cursore, taglio verticale con apertura sul retro delle maniche per essere indossato a mantella, due tasche a filo e due con zip in contrasto di colore sul davanti e due tasche applicate al fondo sul retro, coulisse sul fondo manica e al fondo del capo

Abito ‘sculpture’, longuette, in plissé di poliestere a pieghe verticali sul busto e orizzontali sulla gonna con stampa tattoo a serpenti, girocollo, senza maniche, gonna ampia e astrattamente lontana dal corpo con motivo a cerchio ondulato sul giro-vita

Per scoprire le collezioni: Melitta Baumeister – Ivo Milan Radical Fashion

Siamo a Bergamo, ma il percorso inizia lontano, a Tokyo, città natale e di formazione. Risa si specializza alla prestigiosa Tama Art University in design tessile, un percorso che la conduce all’interno del Miyake Design Studio collaborando per la più artigianale delle linee, la Haat.

Il trasferimento quindi in Italia, come spesso accade per i talenti giapponesi, dove lavora fino a poter aprire la propria bottega sartoriale producendo solo capi su misura, nel centro storico di Bergamo. Infine, il grande salto, una piccola produzione destinata a poche e selezionate boutique al mondo e un brand che porta il suo nome: Risa Nakamura.

La designer importa nel proprio laboratorio la grande sapienza tessile giapponese e opera con livelli di artigianalità meticolosi, che vanno dalla ricerca cromatica con tinture vegetali alla lavorazione manuale dei bottoni in radica calabrese, recuperando gli avanzi di un legno tanto robusto da essere solitamente destinato alle pipe da fumo. Una sensibilità che rimette in circolo anche i materiali meno considerati per dettagli marginali, come possono essere i bottoni, talvolta nemmeno visibili perché nascosti da discrete pattine.

Il Giappone condiziona tutta l’atmosfera del lavoro di Risa. Se ne sente il respiro in ogni suo gesto: la selezione di fibre pure, come lo shetland di lana, protetto dalle sue ben note asperità con fodere in lino naturale; lo suede di cotone organico, un’alternativa alle felpe più domestiche; la leggerezza nitida sul colore del crêpe de chine di seta lavata. Il Giappone volteggia tra forme rigorose o morbide, ispirate agli indumenti da lavoro o ai corollari del kimono e in certi esercizi tipici dell’origami, in cui lo sviluppo della geometria parte da piccole connessioni ripetute, come nel caso della gonna a patchwork di cento pezzi che vanno a chiudere un cerchio perfetto.

Il mondo di Risa e del suo più fedele collaboratore, il marito Emiliano, è permeato di un’estetica lenta, paziente e sensibile, operosamente dedicata a generare un sorprendente equilibrio Zen: di semplicità, cura e laboriosa, coinvolgente, mitezza esistenziale.

Per scoprire la nuova collezione: ivomilan.com

Non sono mancate le occasioni per presentare l’opera di Junya Watanabe, designer giapponese storicamente prodotto dalla Maison Comme des Garçons, tra gli illustri ospiti dell’esposizione Radical Fashion al Victoria and Albert Museum di Londra nell’ormai lontano 2001, da cui l’omonima pubblicazione.

Origami, minuteria metallica, eco-pelle sono gli elementi di volta in volta utilizzati e caratterizzanti un linguaggio fortemente riconoscibile, sempre al confine tra tendenze avanguardiste cyber-metropolitane e arti figurative.

L’abito, secondo la filosofia inaugurata dalla scuola giapponese, da Rei Kawakubo a Issey Miyake, Yohji Yamamoto, ecc. trascende la sua semplice funzione decorativa, di medium e filtro di rappresentazione sociale, diviene piuttosto un’occasione creativa e un espediente tessile di complessa realizzazione.

Per l’autunno/inverno in corso, patchwork materici evocano il lusso ostentato, quanto irresponsabile, della pelle di serpente, ma con Watanabe tutto è finzione e le forme, inedite e scultoree, delineano poetiche agli antipodi di ogni volgarità. Le silhouette si espandono, come nel cappotto ‘spaziale’, dal volume abilmente bilanciato in una mantella a spirale racchiusa nelle spire di simil pelle cucite sul melton pesante di lana, o si attenuano nella più sobria versione con la manica scesa. L’abito asciutto in eco-pelle di serpente, in realtà un gilet lungo indossabile anche su più semplici soluzioni, non trascura elementi di femminilità dal carattere più esplicito. Immancabile il denim, nelle collaborazioni con la Levi’s, decostruito e ricomposto secondo il tema della stagione.

Il ritmo ardito è una sinfonia di note acute e toni più pacati, una laboriosa composizione tra contesti quotidiani lontani dalla noia ed eventi mondani di maggior slancio e intensità espressiva.